Richard Strauss

施特劳斯写下这首关于艺术家生命最后时刻的交响诗时，只有二十多岁。它是想象中的戏剧，乐队在没有歌者与旁白的情况下，呈现痛苦、回忆、挣扎与释放，并将这些状态连成持续的音乐进程。

作品于1889年完成，1890年6月由施特劳斯在艾森纳赫指挥首演。亚历山大·里特的诗写于音乐之后，为作品构想提供阐释。文字帮助理解总体轮廓，主题之间的关系则决定了音乐如何展开。

开头克制而不稳定，破碎的音型与脆弱的脉动暗示紧张状态，安静的旋律又打开回忆的空间。音色与音域让眼前的挣扎和远处的记忆彼此区别。

更有力的音乐将冲突推到前景，反复主题为能量积累提供方向。与净化相关的主题并非只在结尾出现，早先的片段已经让最终的展开成为可以期待的可能。

最终，音乐转入明亮的C大调。这份光辉需要从此前的紧张中自然形成。曾经短暂显露的理想，如今成为能够持续展开的管弦乐现实，赋予结尾结构上的意义。

数十年后，施特劳斯在《最后四首歌》中的《晚霞中》再次引用这一音乐构想。晚年的回望令人动容，也使早期交响诗获得新的联系，但原作仍是一部独立的想象性作品。

Nova的“世界之间”音乐会以帕特的《纪念本杰明·布里顿的圣咏》开场，本曲居中，随后是普罗科菲耶夫《第三交响曲》。哀悼、转化与不安通过不同结构呈现，使三部作品相互映照。

标题构思与乐谱

垂死艺术家的情境属于施特劳斯的原始构想，里特的诗则在音乐完成后加以铺陈。乐谱因此不受既有文字长度约束，主题可以依自身逻辑重叠、回忆与扩展。

从短暂的一瞥到持续的结局

净化主题从早先短暂的显露，走向结尾持续的展开。变化不仅在音量，也在时长、音域与和声支撑。后来《晚霞中》的引用，又将年轻时期的理想与晚年的回望联系起来。