Richard Strauss

La Serenata per fiati di Strauss richiede un diverso tipo di virtuosismo rispetto alla brillantezza orchestrale dei suoi successivi poemi sinfonici. I musicisti devono sostenere una linea condivisa, rendere udibile un cambiamento di armonia senza esagerazione e lasciare che un colore emerga da un altro. La padronanza della scrittura è notevole per un compositore di appena diciassette anni. Ma l’interesse non è semplicemente dovuto al fatto che il compositore fosse giovane. La Serenata offre una proposta musicale completa: un unico movimento la cui ricchezza nasce dalla misura.

La partitura fu scritta nel 1881 ed eseguita per la prima volta a Dresda l'anno successivo sotto la direzione di Franz Wüllner. Strauss è cresciuto con il suono del corno a portata di mano: suo padre Franz era un eminente cornista. Qui quattro corni si uniscono a coppie di flauti, oboi, clarinetti e fagotti, con il controfagotto nella parte inferiore dell'ensemble. Ciò conferisce all'armonia una profondità insolita senza una sezione di archi. I corni possono legare fra loro i gruppi, mentre i legni più brillanti consentono a un filone melodico di rimanere distinto.

L’apertura è un invito all’ascolto più che una richiesta di attenzione. Una delicata affermazione melodica acquista peso man mano che viene coinvolta una parte maggiore dell'ensemble. Il lirismo della musica non dipende da un unico solista di spicco; il ruolo di guida può passare da uno strumento all’altro. Nota come l'accompagnamento abbia un proprio movimento interno. Una nota sostenuta o ripetuta può sembrare modesta da sola, ma la sua posizione cambia la direzione della frase sopra di essa.

Strauss lavora all'interno di una forma sonata riconoscibile, stabilendo materiale contrastante, mettendolo in movimento e riportandolo in una relazione modificata. Quella descrizione è utile solo se aguzza l’orecchio. L'evento importante non è che sia stata raggiunta una determinata sezione della forma, ma che un'idea familiare suoni più urgente, più distante o più stabile a causa di ciò che la circonda. Lo sviluppo concentra l'energia del movimento senza distruggere la continuità del suo modo di cantare.

La continuità del respiro è essenziale: una frase passa da uno strumento all’altro e le voci interne devono restare udibili negli accordi. Il calore del suono nasce da questa precisione d’ascolto. Alla fine, il diminuendo accompagna il rilascio della tensione accumulata; la sobrietà della conclusione risponde alla ricchezza dei colori precedenti.

Collocata accanto alla Serenata in quattro movimenti di Dvořák al concerto Spektrum di Nova, quest’opera offriva un utile contrasto di scala e carattere sociale. Dvořák si muove attraverso la marcia, la danza e il canto; Strauss disegna un arco lirico continuo. Entrambi dimostrano che l'identità di un'orchestra può essere percepita nei rapporti tra i suoi fiati, senza che né la massa di archi né un climax spettacolare siano necessari per rendere sostanziale l'occasione.

Tredici musicisti, timbri diversi

Il numero tredici collega questa partitura a una famosa tradizione precedente di ensemble di fiati, ma la distribuzione conta più del totale. Strauss utilizza quattro corni, il cui suono sostenuto può sostenere i legni quasi come una sezione di archi sosterrebbe un'orchestra più grande. Il controfagotto fornisce profondità all'altro estremo. Tra di loro, i flauti, gli oboi, i clarinetti e i fagotti mantengono registri e modi di iniziare una nota distinti. Gran parte della ricchezza della Serenata deriva dalle combinazioni di queste risorse piuttosto che da una scrittura costantemente densa.

La misura di un giovane compositore

Si è tentati di ascoltare in ogni frase anticipazioni dello Strauss maturo. Un confronto più gratificante riguarda la scala. La sua successiva musica orchestrale spesso fa risaltare uno strumento solista rispetto a un vasto ensemble; qui, un simile spostamento d’attenzione può verificarsi all'interno di un singolo accordo. Prova a seguire le voci interne quando la melodia è più prominente. Il loro movimento conferisce al canto apparentemente spontaneo la sua direzione armonica. Il carattere giovanile del pezzo è udibile nella sua freschezza, mentre la padronanza delle proporzioni è già assicurata.