Robert Schumann

Il Concerto per violoncello di Schumann si apre con una straordinaria economia di mezzi. Pochi accordi orchestrali stabiliscono lo spazio, e il violoncello entra quasi subito, già nel bel mezzo di un pensiero lirico. Non c'è una lunga introduzione orchestrale in cui il solista attende di prendere la parola. Il rapporto è intimo fin dall'inizio: una voce è emersa dall'ensemble e il concerto esplorerà come può rimanere individuale pur restando parte dell’insieme.

Scritta a Düsseldorf nel 1850, l'opera ebbe la prima esecuzione pubblica solo nel 1860, dopo la morte di Schumann. I suoi tre movimenti sono collegati senza interruzioni convenzionali e il materiale ritorna oltre i loro confini. Questa continuità è più di un espediente per evitare gli applausi. Permette a una frase ricordata di interrompere il presente e fa apparire la linea del solista come una coscienza che si dispiega, più che come una successione di interventi separati.

Il primo movimento bilancia l'agitazione con un impulso cantabile. Il violoncello parla spesso in un registro in cui il suo calore è immediatamente evidente, ma la sua parte non è semplicemente una melodia appoggiata su un accompagnamento neutro. Orchestra e solista si scambiano peso e direzione. I momenti più rivelatori possono essere quelli in cui un cambiamento armonico sotto la linea fa sembrare lo stesso gesto dubbio o nuovamente sicuro. Il virtuosismo è presente, sebbene spesso assorbito nel lavoro espressivo della frase.

Il Langsam centrale riduce ulteriormente la distanza tra solista ed ensemble. Un violoncello all'interno dell'orchestra si unisce allo strumento solista in un dialogo, creando, all’interno del concerto, un rapporto cameristico insolitamente personale. L’effetto non è di rivalità. L'ascoltatore sente due colori correlati che si sostengono e si rispondono a vicenda, mentre la trama circostante rimane delicatamente bilanciata.

La transizione verso il finale richiama materiale precedente, così che la transizione porta con sé la memoria. Il carattere più rapido dell'ultimo movimento non cancella il lirismo della musica precedente. L'energia ritmica e le figure ripetute conferiscono al solista un carattere più estroverso, mentre la continuità di fondo del concerto rimane udibile. Verso la fine, Schumann integra la cadenza nel tessuto orchestrale invece di trattarla come una dimostrazione del tutto isolata.

L’esecuzione deve conciliare la spontaneità con il senso delle proporzioni complessive. Se ogni svolta espressiva diventa una pausa, il disegno continuo può perdere il suo slancio; se la musica è frettolosa, i suoi scambi intimi svaniscono. Schumann chiede un solista che sappia guidare l’insieme tanto con l’ascolto quanto con la proiezione del suono. Pieter Wispelwey ha portato quel dialogo al concerto di Nova nella Brahms-Saal del Musikverein il 23 maggio 2024, diretto da William Garfield Walker.

Un pezzo da concerto nell'autografo

Il manoscritto di Schumann utilizza la designazione Konzertstück, o pezzo da concerto. Questa formulazione si adatta a una composizione le cui sezioni collegate resistono alla consueta aspettativa di tre movimenti nettamente separati. Inoltre sposta l'attenzione da una competizione pubblica tra solista e orchestra verso la continuità di un unico arco espressivo. La partitura emerse rapidamente nel 1850, ma il suo percorso verso la vita concertistica fu lento: Schumann non ascoltò la prima pubblica.

La cadenza resta una conversazione

Verso la chiusura, la cadenza non si limita a congedare l'orchestra in modo che il solista possa esibire completa indipendenza. La sua integrazione nel tessuto circostante fa parte dell’idea più ampia di collaborazione del concerto. Confronta quel momento con il duetto centrale tra il violoncello solista e un violoncello orchestrale. Entrambi riducono la consueta distanza tra protagonista e ensemble. Una domanda di ascolto utile è dove sembra risiedere la voce principale: nella sola linea solista, nella risposta di un altro musicista o nello scambio tra loro.